La muerte le hará justicia a Tony Scott

Es curioso, hace unos meses fui a una tienda de esas que hay en cada esquina y al llegar a la caja me llamó ver entre los DVD´s la película True Romance de Tony Scott a sólo $29 pesos. No dudé en comprarla y al disfrutar nuevamente esta cinta; primer guión de Tarantino que se llevó al cine, pensé en lo poco que se puede valorar una buena película. El día de hoy, ante la triste noticia de que Tony Scott ha fallecido, tras aventarse de un puente, sólo puedo pensar que la muerte le hará justicia cómo pasa con algunos artistas.

Scott nació en Inglaterra en 1944 y fue el más pequeño de tres hermanos, uno de ellos el reconocido cineasta Ridley Scott (Blade Runner, 1982). Desde muy joven tuvo facilidad para la pintura y al crecer obtuvo una beca para estudiar en el Royal College of Art. Sin embargo, la vida como pintor es complicada y decidió entrar al negocio de la publicidad asociándose con su hermano en Scott Free Productions.

Más adelante, haría su debut como director de cine con The Hunger (1983) y más adelante Don Simpson y Jerry Bruckheimer le pedirían que dirigiera la cinta que lo catapultó a la fama; Top Gun (1986). Poco después vino Días de Trueno (1990) y la secuela de Beverly Hills Cop II (1987).

En 1993 dirigió True Romance, que en español es llamada “La Fuga”, pero que por el significado de la cinta prefiero llamarla por su nombre original. En True Romance Tony Scott tuvo un mayor control creativo y como comentaba llevó a la pantalla grande el primer guión de Quentin Tarantino.

Dicha película cuenta además con uno de los elencos que actualmente sería de los más caros de la historia. Protagonizada por Christian Slater y Patricia Arquette, cuenta con la participación de Dennis Hopper, Val Kilmer, Garry Oldman, Christopher Walken y Conchata Ferrell. Asimismo, cuenta con las actuaciones de los en ese momento casi desconocidos Samuel L. Jackson, Brad Pitt, James Gandolfini y Michael Rapaport.

De la década de los 90 al 2010 Tony Scott hizo cinco películas con el actor Denzel Washington y éstas son Marea Roja (1995), Hombre en llamas (2004), Deja Vu (2006) Rescate del metro 123 (2009) y Unstoppable (2010). En 2003 estuvo en México para la filmación de Hombre en llamas.

En su cuenta de Twitter el director Ron Howard publicó “No más películas de Tony Scott. Día trágico”. Y es que ya no se verá en el set, con su típica gorra roja descolorida, al cineasta que filmó películas icónicas de la década de los 80 y que dio en su momento oportunidad a grandes figuras de la actualidad.

A su vez, el director Michael Moore comentó en Twitter “True Romance (escrita por Tarantino) no recibió el reconocimiento que justamente merecía (uno de los mejores filmes de las década)”. Seguramente, ahora que ha muerto, lo mismo pasará con Tony Scott y sus películas se vuelvan a ser reconocidas, se le hagan homenajes y saquen a la venta colecciones de su trabajo dándoles el verdadero valor que se merecen.

“I make a movie because it's something that inspires me”

Tony Scott

La mejor película de todos los tiempos es…

Cada diez años la revista Sight and Sound del British Film Institute realiza una encuesta a críticos y directores de cine para generar el Top 10 de las mejores películas de todos los tiempos. Este ranking es uno de los más prestigiados a nivel internacional, así como una referencia para muchos estudiosos y fanáticos del séptimo arte.

En la encuesta publicada hace una década participaron cineastas y críticos de la talla de Sydney Lumet (QEPD), Quentin Tarantino, Abbas Kiarostami, Brian De Palma y el crítico mexicano Leonardo García Tsao. En la de este año no se han anunciado los participantes y el sitio del Top 10 parece haberse caído momentáneamente.

Sin embargo, la BBC ha anunciado los resultados dando la sorpresa de que Vértigo (1958) de Alfred Hitchock se ha impuesto como la mejor película de todos los tiempos desplazando a Citizen Kane (1941) de Orson Welles, que llevaba décadas en la primera posición del conteo.

El nuevo Top 10 de la encuesta realizada a críticos publicado por la BBC es el siguiente:

1. Vertigo (Hitchcock, 1958)

2. Citizen Kane (Welles, 1941)

3. Tokyo Story (Ozu, 1953)

4. La Regle du jeu (Renoir, 1939)

5. Sunrise: a Song for Two Humans (Murnau, 1927)

6. 2001: A Space Odyssey (Kubrick, 1968)

7. The Searchers (Ford, 1956)

8. Man with a Movie Camera (Dziga Vertov, 1929)

9. The Passion of Joan of Arc (Dreyer, 1927)

10. 8 ½ (Fellini, 1963)

En lo personal dejaría a Citizen Kane en primer lugar, pero en esta ocasión Vértigo tuvo 34 votos más.

DATOS SOBRE VÉRTIGO

Fue la película más íntima de Hitchcock, pero fue fracaso de taquilla y paradójicamente fue mal recibida por la crítica de EU. El director británico culpó por ello al actor protagónico, James Stewart, argumentando que ya estaba muy viejo para encarnar el papel del detective Scottie Feguson.

Originalmente Hitchcock pensó en Vera Miles y Grace Kelly para el papel de Madeleine, pero esta última no pudo participar por sus compromisos como princesa de Mónaco, por lo cual se eligió a la actriz Kim Novak.

En esta cinta se inventó el efecto vértigo que se realiza haciendo un movimiento de la cámara hacia el frente (Dolly in) combinado con un zoom out o viceversa, lo cual provoca una interesante distorsión en la imagen.

La banda sonora corrió a cargo del reconocido músico Bernard Herrmann quien trabajó en diversas ocasiones con Hitchcock y es autor de la famosa música de Psycho (1960) y de la de Citizen Kane (1941). La dirección de arte de los créditos y el poster fue obra del conocido diseñador Saul Bass.

Epic 2014

Les comparto el video Epic

Los 10 magníficos

Les comparto esta serie de documentales sobre los 10 magníficos del cine actual de TCM, entre los cuales están Quentin Tarantino, Tim Burton, David Lynch y Martin Scorsesse, entre otros. Les comparto los video de los tres primeros.



Para los que conozcan más sobre Tarantino



Ahora que se estrenará Alicia en el País de las Maravillas vale la pena conocer bien el trabajo de Tim Burton



David Lynch es el director que crea las imágenes más impactantes en la actualidad.

Glorioso Tarantino

Tenía bastante tiempo sin escribir en este espacio y probablemente fue porque no había visto nada nuevo digno de comentarse ampliamente, hasta que hoy vi Inglorius Basterds.

Ya se ha dicho muchas veces que el cine nos brinda la posibilidad de estar en sitios maravillosos, de presenciar hazañas extraordinarias, de vivir situaciones excepcionales, pero muy pocas veces nos ha llevado a saborear de manera tan real la revancha. De esta manera, Quentin Tarantino (QT) que se ha caracterizado por romper reglas, clichés y paradigmas, ahora ha tomado por asalto a la historia universal, para hacer la propia en la pantalla grande.

Desde el inicio de Inglorius Basterds la tensión se apodera del espectador y ésta se genera simplemente a través de los excelentes diálogos que han hecho famoso a QT. Sin embargo, en esta ocasión éstos no se desarrollan en el interior de una cafetería en LA, ni a bordo de un viejo Malibú y mucho menos en la pista de Jackrabbit Slim´s. Ahora el cine de Tarantino ha cruzado el océano (o el charco) llevándonos a la Francia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial, y ahora sus personajes no sólo hablan inglés, también hablan francés y alemán, rompiendo así uno de los más irritantes clichés de Hollywood (Todo el mundo habla inglés). Es probable que muchos creyeran que Tarantino no podría salir de las calles de EU, de los suburbios, de los bares de mala muerte, pero es un hecho que se equivocaron y con esta cinta no sólo demuestra que puede hacerlo, sino que ni siquiera significa un reto para él.

Con un elenco destacado encabezado por Brad Pitt en el papel de Lt. Aldo Raine, el joven director de la película "Hostal" Eli Roth en el papel del Sgto. Donny Donowitz, complementado con el talento de Mélanie Laurent y Diane Kruger; así como la agradable revelación de Christoph Waltz en el papel del Cnel. Hans Landa, entre otros. Las actuaciones son excelentes e incluso es difícil definir a un protagonista en esta historia y en cierta forma el desarrollo de otros personajes le quitan importancia al de Aldo Raine que interpreta Pitt, que vendría a ser el rostro de la cinta, quizá sólo para fines de taquilla.

La cinta tiene un sabor especial para los cinéfilos, ya que además de ser una gran película, está plagada de pequeños homenajes cinematográficos. Algunos directores alemanes que se mencionan son la famosa Leni Riefenstahl y a G.W. Pabst. Más adelante, aparece el famoso actor Emile Jannings al que QT muestra como nazi porque tuvo afinidad con el régimen, pero también lo presenta como el mejor actor del mundo. Tarantino hace un homenaje especial al actor mexicano Hugo Stiglitz, a quien el director recuerda de cintas como “Tintorera”:

“Después de ver Tintorera, vi varias películas de él y de El Santo cuando era niño. Su nombre siempre me gustó. Cuando empecé a hacer cine, pensé que en alguna historia lo incluiría y así sucedió ahora en Bastardos sin Gloria”, comentó Tarantino recientemente a su comunidad de fans del sitio The Quentin Tarantino Archives.



El personaje de Hugo Stiglitz es personificado por Til Schweiger

Por otra parte, en esta cinta hay imágenes, escenas y secuencias que vivirán en la memoria colectiva durante mucho tiempo como la presentación del "Oso Judío", la risa de fuego de Shosanna Dreyfus, la toma (del ángulo de cajuela característico de QT) con la que cierra la cinta, entre otras. Asimismo, deja grandes frases y sobre todo grandes personajes que forman parte ya del universo de Tarantino, en el cual se comen hamburguesas Big Kahuna, se fuman cigarros Big Apple y ahora se graban suásticas en las frentes de los Nazis.

Una de las cosas que a algunos detractores les podrá parecer negativa y para algunos más conservadores incluso inadmisible es el manejo "distorsionado" que QT hace de los hechos históricos. Sin embargo, considero que es uno de sus más grandes aciertos y éste podría derivar en una especie de subgénero catártico en el cual se pudiese modificar la historia para satisfacer nuestros más oscuros rencores. El trato que se les da a los nazis en pantalla hace que las imágenes más violentas sean más digeribles para el espectador, creando la sensación de ser una de las películas menos violentas de QT. Es por esto, que no sería raro ver que una nueva generación de directores dejaran de guardar tanto respeto por la historia y comenzaran a explotar la posibilidad que Tarantino ha dejado al descubierto y no sólo expresar sus más bellos sueños en la pantalla, sino también lo más violentos...

¿A alguien le gustaría ver a Díaz Ordaz y a Echeverría masacrados a macanazos por jóvenes universitarios? ¿O a Carlos Salinas torturado en un calabozo? Quizá sea difícil aceptar que nos gustaría ver eso, pero es seguro que significaría una catarsis...



Eli Roth el nuevo aliado de Tarantino

Una foto diaria

Noah Kalina comenzó a tomarse una foto diaria al inicio del nuevo siglo y desde entonces lleva 8 años sin dejar de tomarse una fotografía en el mismo encuadre y con la misma expresión, que a lo largo de los años ha envejecido. Esta es la verdadera persistencia retiniana, la persistencia retiniana de la vida... Si quieren conocer mejor el proyecto visiten http://www.noahkalina.com/ y aquí les dejo un video, aunque sólo encontré el que tiene las fotos de 2000 a 2006.

Mondovision

Una propuesta muy interesante en la que se mezclan fragmentos de videos de todo el mundo y se forman melodías inéditas, en uno de ellos se incluye hasta un diálogo de la telenovela Rubí, interpretada por Barbará Mori. Dirigido por Gillaume de la Perrière es un gran trabajo que requirió de un gran talento musical, de edición y sobre todo de mucha paciencia. Les dejó dos de los mejores fragmentos, pero si quieren verlos todos o ver la mezcla completa visiten www.giovannisample.com e incluso podrán bajar los vídeos en muy buena resolución.

Friends a la pantalla grande

Hace unos días comenzó a correr el rumor de que se llevaría al cine la famosa serie de TV Friends e incluso se dijo que los actores de la misma ya estaban listos para ella. Sin embargo, días después Warner Brothers (propietaria de los derechos) afirmó que no está en planes esta producción. Esto después de que tuvieron gran éxito con la versión cinematográfica de Sex and the City.

En lo personal creo que esta declaración es una estrategia de mercadotecnia, para desilusionar momentaneamente a los fanáticos de la serie, para más adelante hacer el anuncio de la producción y crear mayor expectativa. Este tipo de adaptaciones representan un riesgo en cuanto a la imagen de la serie, ya que en ocasiones en el cine no se logra el mismo impacto que en la TV y además las exigencias del espectador del séptimo arte son más altas. Sin embargo, dichas adaptaciones resultan ser muy redituables.

Por lo tanto, los fanáticos de Friends deberán ser pacientes para volver a ver a sus personajes favoritos, pero ahora en la pantalla grande.

Tomas inéditas de Metropolis

Después de 80 años aparecieron tomas inéditas de la obra maestra Metrópolis del director alemán Fritz Lang. Este material apareció en Argentina, en un archivo del museo de Buenos Aires, después que se había creído perdido por muchos años.

Estas imágenes pueden llegar a llenar algunos huecos que tiene la trama y hacer aún más grande esta legendaria cinta muda, que es considerada la primera película de ciencia ficción de la historia y que fuera la primera en entrar a la boveda "Memory of the World-Register" de la UNESCO en el 2001.

No puedo esperar a ver la nueva edición que se hará con este material y que seguramente pronto estará a la venta en DVD y que puede ser una muy buena oportunidad para que mucha gente de las nuevas generaciones conozca esta gran película.

Les dejo un fragmento de la película...

Historia de un letrero o de un plagio?

La semana pasada el mexicano Alonso Álvarez Barreda ganó un premio en el festival de Cannes, por su cortometraje "Historia de un letrero". El día de hoy se le acusa de plagio porque existe un corto español llamado "Una limosna por favor", que fue realizado dos años antes y que tiene un argumento idéntico. La realización del mexicano es mejor y el tratamiento le añade mayor emotividad (incluso se pasa de miel), sin embargo, uno no puede evitar pensar que se trata de un plagio. A continuación pueden ver los dos cortometrajes y la entrevista que le hizo Carlos Loret de Mola al "director" mexicano sobre el supuesto plagio, para que juzguen ustedes mismos.

Historia de un letrero

http://www.youtube.com/watch?v=L9eUBVpL0ZU

Una limosna por favor

http://www.youtube.com/watch?v=wGt3ivirDds&feature=related

Entrevista con Loret de Mola

http://www.youtube.com/watch?v=Lgin0STKXU4

La misma luna

Casi en sus últimos días en cartelera tuve la oportunidad ver una sala de cine la película de Patricia Riggen, "La misma luna", después de haber oido muchos comentarios y de haber sido "víctima" de muchas recomendaciones. En resumen y desde el inicio comparto que la película me pareció buena. Sin embargo, creo que con la preparación y la buena producción que tiene la cinta podría haber sido mucho mejor.

La trama sigue la simple metodología que describió Chaplin como propia para hacer una película y ésta consiste en meter al protagonista en problemas y hacer que éste salga de ellos. De esta manera, el personaje de Carlitos interpretado por el pequeño Adrián Alonso, se envuelve en una serie de episodios desafortunados para encontrarse con su madre, interpretada por Kate del Castillo, que se encuentra trabajando de manera ilegal en EU. Dichas situaciones van "in crescendo" en el sentido emocional hasta tener una culminación llena de emotividad.

Los "capítulos" que conforman la cinta van variando de intensidad y en algunos casos sus argumentos se ven un tanto forzados, como el encuentro de Carlitos con su padre, interpretado por Ernesto Dalessio carecen de emotividad y le restan verosimilitud a la historia. Algunas actuaciones se destacan como la de Adrián Alonso y la de Eugenio Derbez, que hace un papel diferente a los que normalmente interpreta, pero que logra quizá los momentos más emotivos de "La misma luna".

En una entrevista para la revista önderfilm Patricia Riggen comentó que el problema del cine mexicano es que muchas veces no es entretenido y con esta obra ella logra revertir esto al hacer una película con bastante ritmo. Sin embargo, aún le falta pulir algunos aspectos dramáticos para que el espectador se sumerja en la película de tal manera que no tenga que pensar "bueno, es que esto es ficción".

Lo más destacado de "La misma luna" no es sólo lo que se presenta en pantalla, es también el hecho de que se vendió en tan sólo un día en el Festival de Sundance y a un precio record que ninguna película en español había tenido antes. Esto puede hacer que inversionistas de otras partes volteen los ojos hacia México y así pongan su dinero en manos de nuevos talentos para que realicen producciones autosustentables, de buena calidad y así volvamos a tener una industria cinematográfica.

Ya viene la nueva de Gondry

La nueva cinta de Michel Gondry, Be kind Rewind (2008) ya está lista y se estrenará el 22 de febrero en EU y quien sabe cuando llegará a las salas de cine mexicanas y también como se llamará, quizá "Sé bueno rebobínale" o "Regrésale ¿no?" o "Video Club" o alguna estupidez que no tenga nada que ver como siempre ocurre. Lo importante es que va llegar y yo recomiendo que veamos todo lo que hace Michel Gondry. OK, ya sé que muy pocos saben quien es este director francés, pero seguro todos conocen su trabajo. Como algunos videos de Bjork, de los White Stripes (Fell in love with a girl, el de LEGO y The hardest Button to Button, el de las baterías multiplicadas) y de muchos otros artistas, comerciales buenísimos, como el de Smirnoff de la botella que es el medio de escape en una persecución (fue la mejor manera en que pude explicarlo, ya que siempre que le platico a alguien del anuncio, nadie sabe cual es) o la película de Eternal Sunshine... bueno creo que con eso basta para saber que todo lo que este director hace, debemos verlo, por más fumado que suene.

En Be Kind Rewind cuenta la historia de dos chavos que trabajan en un video club, que son interpretados por Jack Black y Mos Def, hasta que una extraña falla eléctrica borra todos sus casettes y se les ocurre a hacer re-makes de películas famosas para que las renten sus clientes y de repente éstas se vuelven todo un éxito. En ella se pueden ver gags como el de los protagonistas haciendo Ghostbusters y RoboCop con cartón y papel alumnio. La película en sí toca el tema de los mitos y la creación de los mismos. Por ello y muchas otras cosas estoy decidido a apartar mi lugar en las salas de cine para verla, desde ahora, con el nombre de Gondry me basta, pero aparte se ve divertida e interesante (vi los cortos en su web). Además, parece que Michel sigue teniendo mucho contacto con el genial guionista Charlie Kaufman y esperemos que se vuelva a dar la mancuerna que dio vida a Eternal Sunshine. Por lo pronto, Gondry trabaja en un colectivo llamado Tokyo que está en etapa de postproducción y ya anunció Master of Space and Time, manténganse pendientes del trabajo de este cineasta.

Visiten el sitio de la movie está muy interactivo y creativo: http://www.bekindmovie.com/ en él se puede ver el trailer, que está muy bueno, hasta me dieron ganas de hacer un re-make.

Cloverfield: Monstruo que sí asusta...

En los diferentes medios de comunicación leí y escuché hablar mucho sobre esta cinta producida por uno de los creadores de la exitosa serie LOST, J.J. Abrahams, y que además tuvo gran éxito en los EU, por ello no tardé mucho en ir al cine a verla. La película fue realizada bajo la misma premisa del Proyecto de la Bruja de Blair, que es contada desde el punto de vista de una videocámara, con la diferencia de que en Cloverfield la definición de las imágenes es superior y los personajes son menos verosímiles. Muchos espectadores aún no se acostumbran a la imagen temblorosa de este tipo de películas, que en el caso de Cloverfield creo que es exagerada y en algunos momentos injustificada.

La película dura 85 minutos y la batería de la cámara debe ser excelente, porque en toda la película no es cambiada, lo cual rompe un poco con la idea de darle mayor realismo a la película. En el trascurso de la trama hay altas y bajas, y algunas escenas de acción son bastante buenas, pero en varias ocasiones la forma se come al fondo. De esta manera, Cloverfield no pasa de ser un mero experimento en el cual los resultados polarizan a la audencia, pero que en general no logran llegar a ser lo suficientemente buenos para recomendarla como una buena película, sino como una propuesta diferente que debes ver para terminar con la curiosidad.

Sin embargo, lo que más me llamó la atención de esta película, no fue la película en sí, sino la reacción del público mexicano en las salas de cine, ya que en una visita a uno de los conocidos complejos mexicanos, un empleado me dijo que mucha gente se salía a media película e incluso reclamaban la devolución de su dinero, por lo cual tuvieron que advertir a la gente antes de comprar su boleto, que no había devoluciones. En la sala que yo la vi ocurrió el efecto opuesto, nadie se salió de la sala antes de que terminara el filme, pero muchos se quedaron más tiempo esperando que pasara algo más... cuando esto obviamente no sucedió. Es interesante ver la diferencia entre los espectadores mexicanos y los americanos, aunque en este momento no tengo los elementos suficientes para hablar de esto, me pareció interesante comentar algo al respecto. Es por esto, que afirmo que en México el monstruo de Cloverfield asustó a la gente a tal grado, que tuvieron que salir de la sala de cine.

La tragedia de El conquistador

En 1956 fue filmada la película El Conquistador, dirigida por el actor Dick Powell y que en realidad no conquistaría en lo absoluto al público. Desde el casting las cosas no pintaban muy bien, ya que para personificar al fundador del imperio mongol, Gengis Kan, eligieron al actor John Wayne. Sí, tal y como lo leyeron John Wayne, el vaquero por excelencia, símbolo de las películas western e ícono de la cultura norteamericana y que este año cumpliría cien años. El resto del elenco estaba conformado por Susan Hayward, Agnes Moorehead y por nuestro talentoso compatriota Pedro Armendáriz, entre otros.

Una elección que resultaría aún más trágica que la de optar por John Wayne para el papel de Gengis Kan fue la de las locaciones. Gran parte de la película fue filmada en Utah, cerca de un campo de pruebas nucleares, en el desierto Escalante, para ser exactos. Posteriormente, el equipo de producción y el elenco se transportaron a Hollywood para realizar las escenas interiores.

Tiempo después gran parte de los actores y miembros de la producción contrajeron cáncer, debido a que en Utah tuvieron contacto con materia radioactiva. Algunos de ellos murieron a causa de esta enfermedad años más tarde, incluyendo a John Wayne, Susan Hayward, Agnes Moorehead, el director Dick Powell, entre otros. Como ya es conocido Pedro Armendáriz también enfermó de dicho mal, pero al entrar a la etapa terminal decidió quitarse la vida.

En noviembre de 1980 la revista People investigó la salud de las personas que habían trabajado en la producción de "El conquistador" y para el tiempo en que se realizó la publicación, 91 de las 220 personas que habían trabajado en el filme contrajeron cáncer y la mitad de éstas había muerto a causa de este mal. Estos datos no incluyen a los cientos de indios americanos que trabajaron como extras en el set, ni a los familiares de los actores que visitaron a éstos durante el rodaje. El artículo de People cita la reacción de un científico del Pentágono ante la revelación: “Por favor, Dios, no nos digan que matamos a John Wayne”.

El guionista Oscar Millard había pensado originalmente en Marlon Brando para el papel de Gengis Kan. Años más tarde, Marlon Brando mencionaría en su autobiografía Brando por Brando (se las recomiendo), que le parecía irónico que John Wayne hubiera muerto por esta causa, puesto que él era un gran defensor del ejército norteamericano. De esta manera, recordamos a "El Conquistador", que ha marcado la historia del cine y no precisamente por su calidad, sino por la tragedia que trajo consigo.